Prorogata fino a giovedì 12 ottobre 2017
Sala del Compasso della Cupola di San Gaudenzio
Via Gaudenzio Ferrari 13 - Novara

Fino a giovedì 12 ottobre 2017 nella Sala del Compasso della Cupola di San Gaudenzio a Novara è possibile visitare la Mostra di arte contemporanea "Arte Civiltà e Sacro per abitare la Terra" dove l’artista Filippo Rossi espone la sua opera “Via Maestra”.

Filippo Rossi (1970), espone dal 1994. Da anni lavora come site-specific artist presso privati e enti pubblici. I suoi lavori sono ricercati da architetti e Interior design per Hotel e case private. Formatosi alla scuola libera del nudo dell’Accademia di Belle Arti di Firenze si laurea in Storia dell’Arte presso l’Università di Firenze. Dal 1997 insegna presso la Stanford University. Con opere in musei e collezioni italiane ed estere, è stato il più giovane degli artisti invitati all’incontro con Benedetto XVI nella Cappella Sistina il 21 novembre 2009 visto che da oltre 10 anni elabora anche tematiche attinenti al sacro. E’ stato chiamato nel 2011 dalla Fondazione del Duomo di Firenze al concorso per un ambone per la Cattedrale. Nel 2012 lavora alla Derix Glass Studio di Francoforte (Germania) per tradurre alcuni suoi dipinti in vetrate. Tiene workshop formativi in Italia e negli USA. Tra le ultime personali: Museo della Porziuncola ad Assisi, Arciconfraternita della Misericordia di Firenze, Basilica di Santa Croce a Firenze, Monastero di Camaldoli ad Arezzo, Abbaye Notre-Dame de Boscodon a Crots in Francia, Mount Tabor, Ecumenical Centre for Art & Spirituality, Barga (Lucca), Cape Cod –Massachusetts (USA), Palazzo Panciatichi e Palazzo Medici Riccardi a Firenze, la Meiboyi Arts Centre a Shangai (China), Bressanone, Bergamo, Cortona, Fès-Rabat (Marocco), presso l’ambasciata italiana, la Fondazione Ducci a Roma e la Dadian Gallery a Washington DC. L’ultima personale presso il Museo dell’Opera del Duomo di Firenze ‘Spirito Creatore’, attualmente spostata negli Stati Uniti. www.filipporossi.info

In occasione di questa mostra gli studenti del Liceo delle Scienze Umane Contessa Tornielli Bellini di Novara (progetto alternanza scuola lavoro e credito formativo) insieme al docente di Storia dell'Arte Prof. Carlo Cerutti danno vita ad una nuova forma di fruizione dell’arte contemporanea realizzata attraverso i loro occhi e mettendosi a confronto con il pubblico durante tutto il periodo della mostra.

Intervistato telefonicamente dagli studenti del Liceo di Scienze Umane che partecipa al progetto, Filippo Rossi spiega il suo essere artista, com’è giunto alla sua arte e il messaggio che essa trasmette.

Quanto o come ha influito la sua vita privata nella realizzazione delle sue opere?
Perché è giunto a questa espressione artistica e non altra?
Dio chiama ognuno di noi in modi e tempi diversi, mettendo in noi il tesoro della sua risposta, attraverso la quale siamo completamente realizzati.
La bellezza che io cerco di creare nasce dalla Luce, trasmessa soprattutto attraverso la foglia oro e attraverso una chiara percezione dell’uso del Segno, che diviene Segno parlante. Soprattutto ai miei inizi, mi sono concentrato sul Segno tralasciando quasi il colore. Personalmente cerco la bellezza per servire alla verità, come fa ogni artista, credo.
Cerco la bellezza nonostante la mia molta miseria e pochezza e soprattutto rispondendo alla chiamata rivolta a tutti nel Vangelo cristiano, anche a i non artisti! Tutto questo prevalentemente attraverso il non figurativo, poiché credo che esperienze ed eventi spirituali, più che essere narrati, vanno vissuti in prima persona e trasmessi in forma di dialogo personale con l’Assoluto.
Ho avuto la conferma personale a questo mio dialogo nell’incontro di Papa Benedetto XVI con gli artisti nel novembre del 2009, al quale ero stato invitato come artista più giovane. L’obiettivo del Papa era di riannodare un filo che si era logorato da molto tempo…Ulteriore conferma di questo mio cammino è stato l’inserimento di una mia opera nell’ardito progetto realizzato dalla Conferenza Episcopale Italiana, di una nuova edizione nel 2007 del Lezionario domenicale e festivo con immagini commissionate a artisti viventi, tra cui il sottoscritto.
Nel mio caso - come, credo, in quello di molti artisti che nei secoli si sono dedicati al Sacro cristiano -, raccontare il Mistero di salvezza attraverso le proprie opere significa mettere a nudo profonde e intime relazioni personali.
Parlo della relazione tra l’artista, che trasforma la materia affidatagli, e la materia stessa; ma anche e soprattutto della relazione tra l’artista, che è creatura, e il Creatore che gli ha dato il suo talento e di cui l’artista è testimone. L’artista, infatti, non ‘fa’ realmente l’opera che realizza, ma diviene responsabile, secondo la sua intelligenza e volontà, di quello che rappresenta. L’artista, quanto più è consapevole del suo dono, tanto più è spinto a guardare a sé stesso e all’intero creato con occhi capaci di contemplare e ringraziare, elevando a Dio il suo inno di lode. Solo così egli può comprendere a fondo sé stesso, la propria vocazione e la propria missione. L’artista cioè, nel silenzio ascolta lo Spirito e – se è ‘vero’ come artista e coerente con ciò che sente -, può creare vera bellezza, riflesso della Bellezza increata. Questa Bellezza si fa poi luogo di rivelazione dell’Assoluto, offrendo uno spazio ‘sensato’ per l’esperienza umana.

E' soddisfatto delle opere che realizza? In genere risultano essere quelle che voleva? Il messaggio è unico o può essere interpretato?
Certo. Potremmo chiederci: ma è veramente arte sacra, un'opera così lontana dalla tradizione? Io credo di sì, perché "la Chiesa non ha mai avuto come proprio uno stile artistico, ma, secondo l'indole e le condizioni dei popoli, e le esigenze dei vari riti, ha ammesso le forme artistiche di ogni epoca".
La millenaria tradizione cristiana offre poi esempi eccelsi di arte astratta oltre che figurativa, e questo non solo nel periodo paleocristiano ma anche nel cuore del figurativismo rinascimentale. Per fortuna il cristianesimo non è manicheo: all’aut-aut preferisce l’et-et, sicuro che ogni autentica esperienza estetica può rientrare nel piano provvidenziale di Dio.
Il grido di Cristo sulla croce, certamente "atonale", infatti è parte della nostra historta salutis, come lo è l'ordine sparso - quasi "informale" - dei fiori del campo, più belli di Salomone in tutto il suo splendore.
Interessante per lo spettatore è sempre la questione riguardante la tecnica: In che modo l’astrazione può rivendicare la capacità di esprimere Cristo? E’legittimo poter esprimere qualcosa di Cristo e della Chiesa, della Fede in forma astratta? come io sono arrivato a questo? La realizzazione di un’opera d’arte è un atto di fede e spesso il processo creativo è assai più affascinante dell’opera stessa.
La via estetica da me proposta mostra l’emergenza di una via percorribile e insieme fragile. Cerco di farlo attraverso opere penetranti, orientate a descrivere la memoria dell’evento significato senza gridarlo, attraverso tratti allusivi e tagli celati, oppure attraverso le vie dei solchi, delle lacerazioni su materiale edile, modesto, su legni insignificanti e volgari. Elementi che esprimono tutti consumate e logorate esistenze, capaci tuttavia di una forza insperata di ripresa, testimoniata anche dalla costante presenza di tratti auriferi, che conferiscono a quei materiali una via di redenzione possibile e inattesa.
La forza espressiva ed evocativa del tratto, viene così sottoposto al giudizio del suo interlocutore perché possa cogliere in questa soglia, in questa lacerazione tra lo spazio della redenzione, e la miseria della condizione della materia, una possibilità ulteriore e provvidenziale di salvezza.
Ho utilizzato materiali diversi – carta, legno, juta, polistirene – ma tutti estremamente poveri e malleabili e l’unica ricchezza concessa è alla foglia d’oro. È l’oro della morte vinta, dell’amore che brucia e si consuma per le sue creature poiché non sa e non vuole fare altro.
Ogni opera accoglie in sé lo stupore di una vita nuova e irripetibile dove ogni segno o graffio, increspatura o variazione di tono, solco o grumo rimandano alla complessità che ogni esperienza umana porta con sé.
Ecco infatti perché ho scelto il non figurativo: credo che esperienze ed eventi spirituali, più che essere narrati, vanno vissuti in prima persona e trasmessi in forma di dialogo personale con l’Assoluto.
Questo mio segno, il segno sacro, esprime in profondità infine anche la ricerca di un ricongiungimento impensabile tra la forza espressiva dell’arte, quella che ha una sua voce propria, che non la presta semplicemente, e il pensiero, la grandiosità del pensiero della tradizione ecclesiale. Quando si supera la via insufficiente della superficie ci si inoltra nella via più rischiosa che conduce all’evocazione di un mistero più alto.
Ecco, non solo il figurativo tradizionale ma anche questo tipo di figurazione astratta può accompagnare il cammino interiore dei cristiani. Cristo stesso, pur nella concretezza del corpo assunto da Maria, non esitò a presentarsi in termini lontani da ogni possibilità figurativa, identificandosi come ‘Via’, ‘Verità’, ‘Vita’, ‘Risurrezione’ e ‘Luce’ degli uomini. Così l’arte che si riferisce a Cristo, Verbo incarnato del Padre, può benissimo rivestire di forma e colore anche le parole più ‘astratte’ del Salvatore, soprattutto per incentivare alla preghiera dove ognuno è chiamato ad andare oltre le conoscenze sensorie, e massimamente per accompagnare la preghiera liturgica, dove il carattere segnico dei riti invita a non soffermarsi sull’aspetto esteriore delle cose.

Ogni opera trasmette un messaggio, qual è quello di quest'opera? Cosa c'è di sacro nell'opera che ha presentato in questo evento?
Quando concepisco e realizzo un lavoro di arte sacra cerco di pormi sempre questa domanda:
È la mia arte una diretta espressione della mia vita interiore?
L’opera dell'artista in questo caso diventa una testimonianza personale, non soltanto un esercizio estetico ma addirittura una ‘professione di fede’.
Questa fede costringe l’autore a mettersi in gioco: a dare lui stesso le chiavi al significato della propria opera che può essere non immediatamente percepibile da chi la osserva. L’importante è che, come afferma la Lettera di Giovanni Paolo II, anche nella raffigurazione del dramma o del dolore ci sia uno sguardo al Mistero, uno spiraglio di speranza. La vera arte è sempre appello rivolto al Mistero. D’altra parte, anche la prima arte cristiana non era figurativa ma fatta di simboli: immagini che, proprio per la loro forza evocativa, ancora oggi ci parlano.
Capisco che un approccio così personale a contenuti universali può anche turbare chi si vede costretto ad aprire le proprie concezioni della fede per accogliere quella proposta dall’artista. Ma Benedetto XVI, nel suo discorso agli artisti il 21 novembre 2009, ha detto esplicitamente che essi devono provocare una ‘scossa’ nei loro contemporanei, affinché questi, invece di soprassedere tranquillamente alle scelte spirituali, morali ed etici che la vita impone, vengano spinti a decidersi per il ‘Bene’ o per il ’Male’. Ma l’artista, per arrivare nella propria opera a una sintesi capace di toccare i contemporanei nell’intimo, consolando ma anche turbando il loro spirito, deve avere il coraggio di respingere ciò che in termini estetici oltre che morali è «male» - cioè banale, chiuso al divenire dello Spirito -, scegliendo invece il ‘bene’ di un uso della propria creatività aperta a Dio, anche a costo di scontentare qualcuno. Dall’altra parte – dalla parte della committenza, voglio dire - ci vuole il coraggio di investire concretamente nel nuovo. Da ambo le parti ci vuole il coraggio di credere che l’imprevedibilità tecnica e lo stile personale in cui i messaggi vengono trasmessi possano essere suggeriti dallo Spirito che soffia come e dove vuole e che, soprattutto, l’uomo non deve e non può imbrigliare.
L’arte sacra contemporanea opera frequentemente con questa modalità; parte da un’assenza – il corpo, il volto di Cristo ad esempio - per arrivare ad una Presenza visibile non iconica. Non narra del Divino, ma invita chi la contempla a partecipare personalmente al dialogo tra l’artista e Dio, tra la creatura ed il suo Creatore. Questo è ciò che può essere presente nelle opere di ogni artista quando veramente egli è ispirato, quando, facendo tacere il proprio ego si mette a disposizione dell'Assoluto come semplice strumento.
Ecco allora che viene inabitato dallo Spirito che lo vivifica e gli dà la possibilità di manifestare barlumi di trascendenza divina. L’arte insegna a fissare lo sguardo su ciò che l’artista ha fatto.
Questo, se l’artista ha messo un contenuto spirituale e personale, diventa arte contemplativa. L’artista che dipingendo prega, contempla. Questo modus operandi fa crescere l’artista come tale, nella sua creatività e la preghiera aiuta la sua missione artistica.
Per me dipingere è preghiera!

Opera in mostra: Filippo Rossi ‘Via maestra’.
70 x 50 cm. Tecnica mista su juta. 2004.
Foto Niccolò Orsi Battaglini.
Proprietà dell'artista.

L’opera rappresenta la Via Maestra (la grande linea verticale in oro) per giungere alla piena realizzazione di sé nella vita terrena (la trama della tela Juta che si scorge come supporto a tutta l’opera)che avviene solo rispondendo totalmente alla chiamata profonda e personale che Dio ha per ognuno di noi. Ci sono anche altre vie (linea nera verticale) o distrazioni (macchie di colore) che non necessariamente appaiono più o meno belle… la vera scommessa è capire la giusta chiamata e rispondere totalmente. Solo così luna strada ‘apparentemente’ irta di difficoltà (le piegature della carta) può rivelarsi fonte di felicità e pace interiore (sfondo bianco).