Rassegna d’arte sacra contemporanea
Dal 15 al 29 agosto 2021
Cureggio (NO) Piemonte

La rassegna di opere d’arte dedicate alla cultura artistica contemporanea e specificatamente all’ampio territorio iconografico del sacro, pone in evidenza la presenza di una creatività artistica che si distribuisce e si articola all’interno dei diversi livelli del sistema dell’arte, tra diseguali forme estetiche e difformi valori. Questo dato dimostra che nel presente come nel passato il territorio del sacro congiunge e influenza le diverse fasce di percezione e di fruizione dell’arte; una linea che si estende e che congiunge con diversi strumenti la devozione popolare alla raffinata cultura del fondo oro, dall’iconografia come citazione, all’esasperazione del manufatto concettuale e installativo.
Una persistente e diffusa attenzione all’esperienza e al patrimonio culturale iconografico-religioso, ma anche l’attenzione all’esperienza spirituale costantemente rappresentata, indicano la centralità del sacro anche nella stagione contemporanea.
In questo quadro inedito si situa e si pone in stretto rapporto di corrispondenza con i contenuti sottolineati, il progetto della mostra “Arte Civiltà e Sacro per abitare la Terra”; appare interessante non solo la presenza di un patrimonio di opere frutto della partecipazione e della condivisione degli scopi e le funzioni da parte degli artisti, ma anche l’interessante individuazione di un nuovo obbiettivo, la diffusione al pubblico attraverso forme partecipative.
Con questa iniziativa nelle chiese di Cureggio (NO) il progetto Arte Sacra Contemporanea, grazie alla collaborazione con l’Accademia di Belle Arti di Brera, che metterà a disposizione numerosi artefatti realizzati nell’Ex Dipartimento di Arte Sacra, aggiunge un ulteriore tassello a quel percorso antico in cui l’esperienza espressiva esce dal contesto privato dell’artista, per articolarsi all’interno di una fruizione allargata e sfaccettata delle opere d’arte.
La Prof.ssa Federica Mingozzi critica d’arte, scrive della rassegna:
Rappresentare l'irrappresentabile attraverso i linguaggi della contemporaneità: questa è la sfida del nuovo percorso che l’associazione culturale ACC ha intrapreso in questo particolare momento storico, con la volontà di cercare risposte al divenire della storia. Un itinerario nel divino, attraverso le opere di artisti diversi tra loro, ma uniti da un unico scopo: rendere i riguardanti partecipi del loro universo sensibile e spirituale, lasciando loro la libertà di emozionarsi e interpretare il creato nella sua interezza.

ARTISTI PARTECIPANTI:
Nina Paley, Silvia Venuti, Maria Bonaduce, Ilaria Forlini, Debora Fella, Clara Brasca, Grazia Simeone, Silvana Marra, Daniela Grifoni, Marina Caccia;
Carlo Iacomucci, William Xerra, Nicola Liberatore, Enrico Del Rosso, Stefano Pizzi, Paolo Scirpa, Antonio Spanedda, Filippo Rossi, Mauro de Carli, Giovanni Morgese, Luigi Sergi, Gabriele di Maulo, Federico Cozzucoli, Tarshito, Bios Vincent, Pierangelo Bertolo, Floriano Catanzaro, Pietro Cirillo, Massimo Magistrini 

Programma:

domenica 15 agosto 2021
alle 11.00
Inaugurazione della rassegna 
presso il Battistero di San Giovanni Battista a Cureggio (No)

domenica 22 agosto 2021
dalle 14.30 alle 18
VISITA GUIDATA con la Prof.ssa Federica Mingozzi 
Parrocchiale Maria Vergine Assunta
Battistero di San Giovanni Battista
Chiesa di San Rocco
Chiesa di San Bernardo
Chiesa di San Pietro
Chiesa Madonna della neve



domenica 29 agosto 2021
dalle ore 16
PERFORMANCE “litaniae pro sanctitate Aloisii Buñuel” dell’artista FEDERICO COZZUCOLI
Chiese di Cureggio (No)

domenica 29 agosto 2021
alle ore 18
PRESENTAZIONE DELL’OPERA RIVERBERI di MASSIMO MAGISTRINI (fotografo)
presso il TAM Casa della Torre - piazza Cesare Battisti 11, Cureggio (No).

10 settenbre - 1 ottobre 2017 Prorogata fino a giovedì 12 ottobre 
Sala del Compasso
Cupola di San Gaudenzio
Via Gaudenzio Ferrari 13
Novara, Italia

Inaugurazione: Domenica 10 settembre 2017 ore 11

Domenica 10 settembre 2017 si terrà a Novara, nella splendida cornice della Sala del Compasso della Cupola di San Gaudenzio, l’evento articolato “CIBO CARTE e ARTE” dedicato aila cultura con la mostra d’arte contemporanea “Arte, Civiltà e Sacro per abitare la terra“, la performance artistica “Confession’s Look” di Federico Cozzucoli, la performance teatrale “Alessandro Antonelli racconta la sua Cupola”, la salita alla Cupola e l’approfondimento dell’architetto Pier Luigi Benato esperto sul monumento. L’evento è dedicato al gioco con il Torneo di Burraco e alla convivialità con il pranzo presso il ristorante gourmet Sciauru di Novara. 

Mostra: "Arte, Civiltà e Sacro per abitare la terra"
L’evento “CIBO CARTE e ARTE” si aprirà con l’inaugurazione alle ore 11 della mostra "Arte, Civiltà e Sacro per abitare la terra” una rassegna espositiva di opere d’arte di Artisti Contemporanei dalla collezione ASC arte sacra contemporanea (www.artesacra- contemporanea.it), che resterà aperta al pubblico da domenica 10 settembre fino a domenica 1 ottobre 2017. La sfida che la collezione di opere di “ASC arte sacra contemporanea” ci propone è l’alleanza tra arte e sacro.

Il materialismo di questa civiltà ha spostato la sensibilità dell’uomo a pura eccitazione ed emozione, facendogli perdere la capacità di cogliere l’intelligenza delle cose.
In questa iniziativa gli artisti e le loro opere diventano “mediatori sociali” che promuovo- no quel cambiamento di cui oggi si avverte un’estrema necessità: tornare a vedere l’anima delle cose nella quotidianità e nella sacralità dei rapporti tra le persone. La mostra “Arte, Civiltà e Sacro per abitare la terra“, di grande spessore culturale, assomma in sé diversi strumenti espressivi riconducibili alla sfera del sacro, con i valori e le funzioni al suo interno evidenti, ma anche quelli mimetizzati e nuovi. Le opere sono, infatti, frutto di incontro tra la cultura dell’arte e il patrimonio della cultura religiosa, tra la sensibilità dell’uomo creativo e la profondità dell’esperienza spirituale, tra le variabili interpretative nella fruizione del sistema iconografico e la ricerca condotta negli anni dal Dipartimento di Arte e Antropologia del Sacro dell’Accademia di Brera di Milano. L’intento della mostra è quello di ridare dignità e slancio alla contaminazione reciproca tra arte e fede, spostando l’attenzione dai livelli colti del sacro al piano della natura antropologicamente sacra dell’arte e della vita.

Artisti:
Antonio Spanedda (Novara), Bios Vincent Lipari (Erice TP), Carlo Iacomucci (Macerata), Clara Brasca (Milano), Debora Fella (Milano), Eliana Frontini (Novara), Enrico Del Rosso (Trieste), Federico Cozzucoli (Messina), Filippo Rossi (Firenze), Fiorenza Giuliani (Varallo Sesia VC), Florine Offergelt (Utrecht, Netherlands), Giovanni Morgese (Terlizzi BA), Gabriele Di Maulo (Milano), Ilaria Forlini (Milano), Maria Bonaduce (Terlizzi BA), Mauro De Carli (Trento), Nicola Liberatore (Foggia), Nina Paley (Champaign, Illinois USA), Paolo Scirpa (Siracusa), Silvia Venuti (Varese), Stefano Pizzi (Pavia), Tarshito (Corato BA), William Xerra (Firenze).

Alle opere e agli artisti verrà dedicato un approfondimento a cura del Prof. Carlo Cerutti e degli studenti del Liceo delle Scienze Umane Contessa Tornielli Bellini di Novara (progetto alternanza scuola lavoro e credito formativo). Con esso si intende dare vita ad una nuova forma di fruizione dell’arte contemporanea realizzata attraverso gli occhi dei giovani studenti chiamati a confrontarsi con il pubblico durante tutto il periodo della mostra sui seguenti maestri d’arte contemporanea, con cui sono entrati in contatto diretto: Carlo Iacomucci, Antonio Spanedda, Giovanni Morgese, Mauro De Carli, Nicola Liberatore, Silvia Venuti, Filippo Rossi.

Performance artistica “Confession’s Look” di Federico Cozzucoli
L’evento “CIBO CARTE e ARTE” sarà anche occasione per conoscere personalmente l’artista e performer messinese Federico Cozzucoli che nella sua arte mescola l’esperienza rituale liturgica della chiesa cattolica con elementi sincretisti sia della cultura pop che della cultura alta. Durante la giornata di domenica 10 settembre il pubblico presente potrà partecipare direttamente alla realizzazione della nuova video performance “Confession’s Look” con cui l'artista metterà in scena la vita social contemporanea, dove i rapporti sono brevi e mediati da un elemento tecnologico e dove realmente non ci si scambia nulla di intenso e personale. Il video realizzato sarà fruibile per tutta la durata della mostra.

Performance teatrale "Alessandro Antonelli racconta la sua Cupola”
La giornata di domenica 10 settembre verrà ulteriormente arricchita della performance teatrale “Alessandro Antonelli racconta la sua Cupola” a cura degli attori Vito Lucio Comes e Aldo Villa, che riporteranno in vita il famoso architetto novarese del XIX secolo attraverso la propria personale interpretazione.

Intervento dell’architetto Pier Luigi Benato
Sempre domenica 10 settembre l’architetto Pier Luigi Benato interverrà con un approfondimento che verterà sugli aspetti architettonici del prestigioso monumento frutto del genio di Alessandro Antonelli.

Salita alla Cupola e visita alla mostra
Per tutta la durata dell’iniziativa (dal 14 settembre al 1 ottobre) sarà possibile con accompagnatori effettuare la salita alla Cupola di San Gaudenzio, l’opera monumentale dell’architettura italiana simbolo indentitario della città di Novara e visitare la mostra accompagnati dagli studenti del Liceo delle Scienze Umane Contessa Tornielli Bellini di Novara. Per prenotare la visita rivolgersi ad ATL - Agenzia Turistica di Novara (tel. 0321 394059 - info@turismonovara.it). I visitatori attraverso la sala del transetto saliranno fino al primo anello della Cupola, da cui godranno della vista di tutta la catena montuosa delle Alpi.

L’evento di apertura di domenica 10 settembre verrà ripreso da Videotop, settimanale televisivo di spettacolo e tempo libero, che trasmette sul circuito televisivo a copertura nazionale su 30 emittenti in onda sul digitale terrestre, satellite e canali social.
A scopo divulgativo è disponibile un catalogo dedicato alla mostra “Arte, Civiltà e Sacro per abitare la terra” contenente tutte le informazioni sulle opere e sugli artisti, per far conoscere, al pubblico che interverrà all’evento, il mondo dell’arte contemporanea e tema sacro e spirituale.

Partner dell’iniziativa: Dal Negro, Luigi Francoli Grappe, Torraccia Del Piantavigna, Bottega della Cornice, Ristorante Sciauru, Biscottificio Camporelli, Edizioni Interlinea, VideoTop
Patrocinio: Comune di Novara e Consiglio Regionale del Piemonte
Organizzatori: ACC Associazione Culturale Creativa, ASC Arte Sacra Contemporanea

Informazioni:
Per prenotare la visita dal 14 settembre al 1 ottobre rivolgersi ad ATL - Agenzia Turistica di Novara (tel. 0321 394059 - info@turismonovara.it).

Per partecipare il 10 settembre rivolgersi a:
ACC Associazione Culturrale Creativa
info@associazioneculturalecreativa.it
Tel. +39 0321 452397

Per informazioni e per partecipare al Torneo del Compasso rivolgersi a:
Tel. +39 347 5990404

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16 giugno - 31 luglio
Museo Diocesano
Via Gasparo da Salò, 13
Brescia, Italia

Mostra personale di incisioni, libri d’artista, matrici, tessuti e installazioni di Roberto Gianinetti. 50 opere, liberamente ispirate al “Sacro”, create negli ultimi 10 anni dall’artista vercellese. Xilografie, incisioni su linoleum e matrici sperimentali, stampate a torchio manuale o con il “cucchiaio” su carta Hahnemuhle e seta. La maggior parte di questi lavori sono stati esposti in Italia e all’estero (Danimarca, Germania, Lussemburgo, Serbia, Russia, Spagna) in occasione di mostre collettive e personali. Di particolare rilievo il corpus di Sindon Credo, esposto nel 2010 in occasione dell’ostensione della Sacra Sindone a Torino; i lavori ispirati a Emilio Vedova: “Suite”, presentati per l’evento: Vercelli “ARCA/Guggenheim” – 2011; tre delle otto opere su Charles Mingus, “Palazzo Ducale, Genova” – 2011; “Menù de Lux”, Atelier Empreinte Luxembourg – 2014 e Rocca Sforzesca, Soncino (Cr) – 2015; “Volti”, 1° premio Biennale di Kazan (Russia); “Soft Machine & Annunciazioni” Confraternita di San Vittore e Museo Borgogna, Vercelli – 2016 (Arcidiocesi di Vercelli e Lions Club Vercelli); “Petit dejeuner sur l’herbe” MACBA e Università di Barcellona – 2016, finalista … Il titolo della mostra origina dal romanzo Corporale di Paolo Volponi, letto alla fine degli anni ’70. Vocabolo che si è fatto strada a poco a poco nel mio immaginario e mi ha accompagnato nella musicalità jazz, continuando negli “studi anatomici” di Medicina Veterinaria e infine all’Accademia di Belle Arti di Brera.

Per informazioni:
www.diocesi.brescia.it/museodiocesano
www.facebook.com/Museo-Diocesano-di-Brescia-sito-ufficiale-95864127521

Fino al 30 aprile 2017
CESMA-Centro Studi Marche 
Via dei Coronari, 181
Roma, Italia

Presso il CESMA-Centro Studi Marche "Giuseppe Giunchi" in Via dei Coronari, 181 a Roma, martedi 21 marzo alle ore 18 inaugurazione della mostra dal titolo: "Incisione e Grafica" . (dal 21 marzo al 30 aprile 2017).
Dalla famosa Scuola del Libro di Urbino noti interpreti dell'arte incisoria.
La mostra sarà presentata del critico d'arte Stefania Severi.
Le opere fanno parte della "Raccolta d'Arte Permanente di Artisti Marchigiani" del Centro Studi Marche.
Opere esposte degli artisti incisori:
- Sergio Belfioretti (nato a Senigallia)
- Trento Cionini (Urbania 1919- Roma 2005)
- Eros Donnini (nato a Fano)
- Carlo Iacomucci (nato a Urbino)
- Valeriano Trubbiani (nato a Macerata)

coordinamento e organizzazione dott.ssa Pina Gentili
per info: tel. 06.68309516 - ciascesmaroma@gmail.com

Dal 12 al 25 aprile 2017
Sala delle Terrazze di Castel dell'Ovo a Napoli

Inaugurazione: Mercoledi' 12 aprile 2017, ore 17.00

La Sala delle Terrazze di Castel dell'Ovo a Napoli ospita, dal 12 al 25 aprile 2017, la mostra di Paola De Rosa 2 Vie Crucis a Castel dell'Ovo. In mostra, sono esposti due cicli pittorici realizzati nel 2012 e nel 2014-15. Il primo ciclo pittorico, dal titolo Via Crucis d'Invenzione, è composto da 14 oli su tela e dai rispettivi studi a matita e acquerello su carta ed è stato esposto, a partire dal 2013, nel Museo Civico Rocca Flea a Gualdo Tadino, ne La Stanza dell'Aliprandi in Brera a Milano, nella Pinacoteca Civica Casimiro Ottone di Vigevano e, in parte, al Chiostro del Bramante di Roma. Il secondo ciclo pittorico, dal titolo 14 Stazioni d'Invenzione, è composto da 14 dittici a olio su tela e dai rispettivi studi a gessetto su carta ed è stato esposto nel 2016 al Museo Emilio Greco di Sabaudia. Queste due Vie Crucis, lontane dalla tradizione figurativa a cui si è normalmente abituati, condividono una stessa matrice spaziale composta da frammenti di un plastico di cartone, ispirato alle tavole delle Carceri d'Invenzione di Giambattista Piranesi. Come indicato da Luciana Rogozinski, "il forte e costante orientamento sul Significato ne fa - della prima Via Crucis - un'operazione allegorica, una scena concettuale che coinvolge lo spazio, le architetture afunzionali, le pedine impersonali delle singole sequenze (le mele) e quanto di contemporaneo possa integrarvisi (i giornali come parti della sintassi ambientale). Dunque uno straniamento che rimette in causa il problema del Vortice, compreso quello storico, a cui il Significato è consegnato". Come scrive Alessandra Muntoni in merito alla seconda Via Crucis, "Il Tempio di Erode - come le Carceri di Piranesi - è però di pietra, mentre quello di Paola De Rosa è di cartone. Qui si coglie una sostanziale differenza che serve per un contrasto voluto. Se il Tempio - Carcere è rappresentazione di materia quasi impalpabile, Gesù è invece rappresentato come carne grondante sangue. Egli attraversa i frammenti del Tempio distrutto avviandosi per la "via dolorosa" verso una meta non visibile, infinita. Anzi non percorre sempre quella via, spesso la vede dal di fuori, nell'assenza assoluta delle turbe, dei soldati, degli apostoli, delle donne. È una via tracciata come la pagina infinita di un libro. Anzi, del "Libro", lastricato coi caratteri che riprendono la trama ondulata alla quale i due fogli di cartone sono incollati. Il Libro è interpretato, dunque, come percorso. La Via è il Libro, è la Sacra Scrittura che viene percorsa per realizzare il nuovo Tempo". Nel loro complesso, queste due Vie Crucis conducono, nell'àmbito di una ricerca pittorica, a possibili "interpretazioni che possono essere misurate con esperienze e significati presenti nella memoria di ciascuno di noi" (A. Muntoni). La mostra è stata realizzata in collaborazione con l'Assessorato alla Cultura e Turismo del Comune di Napoli.

Informazioni:
Paola De Rosa. 2 Vie Crucis a Castel dell'Ovo. Dipinti d'Invenzione
Luogo: Napoli - Castel dell'Ovo, Sala delle Terrazze
Inaugurazione: mercoledì 12 aprile 2017, ore 17
Periodo: dal 12 al 25 aprile 2017
Orari: dal lunedì al venerdì (14-19); sabato (10-19); domenica e festivi (10-14)
Ingresso: libero
Info: info@paoladerosa.co
Sito web: www.paoladerosa.co

8 marzo - 2 aprile 2017
Fondazione Adriano Bernareggi
Via Pignolo 76
Bergamo - Italia

Il fatto che un artista frequenti interessi non genericamente orientati ai temi del sacro e dello spirituale ma specificamente legati alla tradizione biblica del senso religioso, porta oggi con sé una originalità che non manca di coraggio. Non solo per il suo rimanere nei pressi di una cultura che per tante ragioni porta con sé le ferite della squalifica sociale. Ma soprattutto per la temerarietà di avvicinarsi con gli strumenti espressivi e concettuali dell’«arte contemporanea» a una materia ancora istintivamente legata alla convenzione figurativa dell’«arte sacra». Le perplessità suscitate dalla prima e le nostalgie inoculate dalla seconda in certi perimetri della cultura religiosa non hanno ancora smesso di alimentarsi a vicenda. Nonostante tutta l’acqua passata sotto i ponti. Questo buttarsi in una mischia ancora avvolta dalla polvere indica certamente carattere da vendere. Farlo oltretutto andando a mettere il dito in certe questioni di genere, aumenta il merito dello sforzo meditativo manifesto in questa mostra. L’artista donna che lavora sui temi della condizione femminile può anche apparire un luogo comune che non sorprende più. Anche se non va trascurato a prescindere. Avventurarsi in una riflessione sulla donna passando attraverso certe figure femminili estratte dal vivo della letteratura biblica ha però qualcosa di meno prevedibile. Espone di sicuro a maggiori pregiudizi. Richiede senz’altro una libertà di lettura che sappia stare lontana da certe ovvietà devozionali senza però allontanarsi da un necessario centro di densità spirituale.
La dedica del titolo a Meret Oppenheim, modella e musa di Man Ray, accende già un ammonimento fermo e perentorio circa i sentieri che Camilla Marinoni decide di aprire in questa piccola incursione nel brusio di un gineceo biblico. Un omaggio personale e affettivo. Ma difficile non vederlo anche come una dichiarazione di intenti. Una vicinanza di spirito. Una ispirazione, per quanto tenue.
Eva, Tamar, Rut, Maria e un’anonima adultera, le cui iniziali formano l’acronimo che dà il titolo alla mostra, sono nel contempo tipi di donne reali e icone di una mitologia sfuggente, persone realmente esistite e figure letterarie forgiate dalla teologia del testo, realtà e immagine, quell’universale che la lettera biblica ha imparato a distillare osservando con scrupolo un numero sconfinato di femmine reali, del loro coraggio e della loro vulnerabilità. Nella mostra nessuna di loro è chiamata a insegnare nulla. Ognuna di esse è una sorta di ingresso in un modo di essere, in cui molte donne potranno riconoscersi e a cui molti uomini cercheranno di avvicinarsi, una forma dell’esistere che Camilla Marinoni traduce per lo più in gesti da compiere, in una forma di interazione con gli interventi artistici senza di cui il senso delle istallazioni non prende vita. L’insieme del lavoro convoca una pluralità di scelte formali che alla fine si sommano come un catalogo dei poteri espressivi dell’arte, dai video, alle emissioni acustiche, alle strutture polimateriche, al concettualismo di oggetti trasformati in una situazione. In questa piccola antologia di generi letterari dell’arte bisognerà muoversi senza reticenze, sedersi davanti a uno specchio e guardarsi negli occhi, annodare fili su una albero di ceramica, chinarsi attratti da voci che vengono da una scatola nera, insomma offrire il proprio corpo come indispensabile complemento dell’operazione artistica.
Magari poi a uno viene voglia di tornare alla rudezza di quei racconti da dove sbucano queste donne bibliche, per capire certi nessi che il lavoro dell’arte ha disciolto della sua interpretazione, persino trovarne di nuovi, come qualcuno che appena iniziato alla lettura non sa più frenare l’emozione di inoltrarsi in nuove storie. Ma il lavoro di Camilla Marinoni ha la solidità di quegli incontri personali che diventano porte d’ingresso per molti. I suoi occhi hanno visto cose che le sue mani ci mettono di fronte. Lo ha fatto peraltro con sobrietà, senza accumuli didascalici, conservando l’essenziale e lasciando perdere l’inutile, oggetti contati, immagini scelte, gesti selezionati. Senza cedere alla tentazione di esibire se stessa, di rispecchiarsi narcisisticamente nella propria opera, di rovesciarsi nei temi facendone cornici del proprio interiorismo. L’indice di ogni elemento delle istallazioni è sempre puntato altrove. In un punto che forse nemmeno Camilla Marinoni conosce fino in fondo e di cui potrà conoscere la direzione solo osservando a sua volta tutti quelli che passeranno tra le sue opere. A cura di Giuliano Zanchi.

Per informazioni:
info@fondzionebernareggi.it

Dal 14 al 26 novembre 2016
Sala Santa Rita
Via Montanara (ad. Piazza Campitelli)
Roma, Italia

La Sala Santa Rita, nell’ambito della V edizione di Autunno Contemporaneo, presenta La bellezza e la ruggine di Alessio Deli all’interno di un ciclo di tre mostre di artisti che, in modi differenti, si rivolgono al tema del sacro e della sacralità inteso come memoria originaria, ma anche come fondamentale istanza antropologica. Non sempre, infatti, l’arte sacra è rivelativa del sacro, ma sempre il sacro nell’arte dà voce a questa innata dimensione esistenziale dell’uomo, così da rendere l’arte una manifestazione fondamentale del processo d’identità umana e culturale. Le installazioni site specific nella Sala Santa Rita di Roma sono dedicate alla riflessione sul rapporto tra arte contemporanea, sacro e sacralità, analizzando e contestualizzando il concetto di arte sacra moderna, sottolineando attualizzazioni, tendenze diverse e talvolta conflitti nel rapporto fra arte e sentimento del sacro e della sacralità. Alessio Deli ha ideato dunque un incontro misterioso tra epoche e stili differenti, in un’installazione che lavora sulla memoria e sulla nostalgia in cui è presentato un ciclo di sculture recenti che fondono sacralità, classicità e avanguardia.
Deli così interviene nei suggestivi spazi della ex chiesa di Santa Rita facendone dialogare l’impianto barocco con le presenze plastiche e angeliche di opere che evocano antiche liturgie, memorie rinascimentali ed elementi di forte contemporaneità, nel mistero di un misticismo legato allo splendore delle figure femminili. Deli coniuga con maestria la grazia misteriosa e celestiale delle donne rinascimentali scolpite da Francesco Laurana, da Verrocchio o da Jacopo della Quercia alla ricerca sui nuovi materiali e sui materiali di recupero nata col Futurismo e giunta fino all’Arte Povera e oltre, in una ricerca che ha avuto il suo apice nell’opera di Alberto Burri insieme a quella di Ettore Colla, Mimmo Rotella e Jannis Kounellis. La capacità del giovane artista, infatti, non è solo quella di lavorare con il ready-made in senso installativo, ma anche di creare un’armonia tra il polimaterismo e la sua capacità di modellare e comporre le anatomie e i volti, con una qualità formale da scultore antico che nella sua leggerezza si redime da ogni possibile accademismo evidenziando invece una finissima intensità di immaginazione e realizzazione iconica. Le opere di Deli si trasformano così in una vera e propria sublimazione sacrale della materia brutale del mondo, degli scarti della civiltà postindustriale e delle cose neglette, consumate dal tempo e dall’uso, abbandonate ai margini delle nostre città, in un’azione di redenzione degli oggetti scartati, che vengono riscattati dalla loro condizione di inutilità, per trasformarsi negli abiti sontuosi di figure metaforiche che portano con sé allusioni enigmatiche. Così, così come un fiore nato in luoghi contaminati e in rovina, la grazia spirituale delle donne di Deli sboccia dal metallo arrugginito e dalla materia corrosa, metafora di una bellezza che trova sempre la sua via di rinascita. In occasione della mostra sarà pubblicato un catalogo con un testo del curatore Lorenzo Canova e una poesia inedita di Marco Lodoli ispirata alle opere di Alessio Deli.

Alessio Deli
BIOGRAFIA:

Nato a Marino, in provincia di Roma, nel 1981. Dopo gli studi all’Istituto d’Arte di Marino si è diplomato con il massimo dei voti all’Accademia di Belle Arti di Carrara dove si è specializzato in scultura. Successivamente ha conseguito l’abilitazione all’insegnamento delle discipline plastiche presso l’Accademia di Belle Arti di Roma.La sua area di ricerca e  di produzione artistica, iniziata fin dagli anni della formazione, si è sviluppata e arricchita nell’ultimo decennio, su tematiche di natura figurativa, sia nel disegno che nella scultura. Per la scultura in particolare l’impronta che imprime alle opere si rivela mediante l’assemblaggio e la modellazione di materiali di recupero. Sebbene il suo stile abbia profonde radici nella tradizione classica, il suo desiderio di ridar vita ai materiali abbandonati e di riciclo dà al suo lavoro un pertinente taglio postmoderno. Recentemente Arte Rai ha realizzato un documentario sul suo lavoro dal titolo “La Scultura Ecologica”. I suoi lavori sono collocati in spazi pubblici come la Basilica di S. Maria in Aracoeli a Roma, il MacS di Catania, la Raccolta Civica d’Arte Contemporanea di Palazzo Simoni Fè di Bienno, il Museo d’Arte Contemporanea Roberto Bilotti a Cosenza.

Per informazioni:
http://www.comune.roma.it

24 settembre - 29 ottobre 2016
Sala Veratti
Via Carlo Giuseppe Veratti, 20
Varese, Italia

Inaugurazione: sabato 24 settembre 2016 ore 17,30

Oltre 40 disegni originali, una grande scultura di una testa “neoclassica” realizzata con la pietra nera di Saltrio e quella rossa di Arzo, oltre ad alcuni preziosi modelli per argenti liturgici eseguiti nei laboratori della provincia di Varese, saranno esposti nella Sala Veratti dal 24 settembre al 29 ottobre 2016. Tra le opere in mostra, per la prima volta, anche disegni preparatori della monumentale Via Crucis in pietra di Saltrio per la Chiesa dei SS. Pietro e Paolo di Rovello Porro (CO) progettata dall’Architetto Paolo Mezzanotte, editi in una pregevole pubblicazione con testi tratti dalle meditazioni del Beato Luigi Monza. Lo spunto insomma per conoscere, oltre che un artista in grado di dialogare con grandi architetti e coi committenti ecclesiastici contemporanei, materiali come le pietre locali e luoghi inediti e adornati da opere d’arte. L’insieme dei disegni, rimarcano l’interpretazione dei passi evangelici che, nella realizzazione del tratto grafico connaturale all’affermato linguaggio estetico dell’artista, trovano ludiche sfumature che lo smalto insito nella pietra lavorata e levigata nei laboratori di Viggiù, arricchisce emozionando chi si accosta per cogliere la carità e il dolore del narrato. L’analisi di merito di questa monumentale saga proietta attraverso la narrazione della “Passio Christi” i bisogni emotivi dell’uomo moderno. (Franco Cajani) Complementare alla mostra è la proiezione del documentario La Via Crucis di pietra di cui Ennio Morricone, uno dei maggiori compositori viventi , 2 volte premio Oscar, alla carriera nel 2007 e per la miglior colonna sonora nel 2016, affascinato dalle forme di Gabriele Di Maulo, ha composto la colonna sonora che scandisce le tappe della realizzazione delle opere esposte a Rovello Porro. La mostra potrà essere visibile anche in maniera virtuale, accessibile da remoto da chiunque possieda un computer o uno smartphone. Sarà sufficiente inquadrare con un lettore, il QR Code presente sulle locandine e sull’invito, per accedere al sito con il tour a 360° delle opere dell'artista esposte nella Sala Veratti; o in alternativa, si potrà scaricare gratuitamente l'App VirtuaPlayer, per vedere la mostra attraverso un visore virtuale.

BIOGRAFIA SINTETICA
Gabriele Di Maulo
Nato a Milano nel 1968.
Dopo gli studi all’Istituto d’Arte di Chiavari e all’Accademia di Belle Arti di Carrara, Di Maulo perfeziona il modo di lavorare nell’ambito di una ricerca formale perseguendo una figurazione che interessa non solo la scultura e la medaglistica, ma anche le tecniche dell’incisione, della litografia e della serigrafia, distinguendosi con un tratto lapidario e personale che trova un lirismo talvolta monocromatico spaziando tra il sacro e il profano. La progressiva elaborazione dello stile si affina, coi corsi di scultura a Monaco di Baviera alla Akademie der Bildenden Künste e successivamente, negli anni in cui è assistente di Floriano Bodini presso lo storico Studio di Via Hajech in Milano. Vincitore di prestigiosi riconoscimenti in campo artistico, ha al suo attivo un’intensa attività espositiva. Vive e lavora Chiavari (GE).

Per informazioni:
uff. Didattica 0332 255473
museo Castello 0332 820409
www.museidivarese.it - www.varesecultura.it

Chiesa di San Nicola da Tolentino
Campo dei Tolentini
Venezia

Da giovedì 27 maggio, di fronte alla 'macchina scenica' del maestoso altare tridentino policromo, si colloca il nuovo altare rispondente alle indicazioni conciliari: "rendere possibile la celebrazione rivolti al popolo” e “consentire di girarvi intorno e di compiere agevolmente tutti i gesti liturgici ad esso inerenti" (CEI, L'adeguamento delle chiese secondo la riforma liturgica, 1996, n. 17) e fuori dal presbiterio, in prossimità dell’assemblea è posizionato l'ambone, entrambi opera di Alberto Gianfreda. Lʼaltare è caratterizzato da una superficie lievemente opalescente sulla quale si condensano piccole schegge di Okite colorata, azzurra e grigia. Le sue singole facce si presentano quali schermi irradianti capaci di proiettare bagliori di luce partecipativa verso lʼassemblea. I frammenti di colore si intensificano verso la parte alta dellʼaltare sollevando concretamente il piano superiore dal restante volume, marcando così la differenza tra ara e mensa. Lʼambone, ponendosi quale superamento del sepolcro vuoto da cui il Cristo è risorto, si propone quale rigorosa pagina frontale su cui si poggia il tessuto realizzato anch'esso in Okite, contrassegnato da una trama flessibile, morbida e modificabile, suggerendo l'idea di una tenda che svela, di unʼala dʼangelo che annuncia, della parola che si estende verso chi ascolta." L'ambone è dunque metafora di quel luogo: presenza della tomba vuota e dell'annuncio pasquale al mondo. "(liturgista Francesca Leto) 
I due poli liturgici, altare e ambone, oltre a rispondere alla funzione per cui sono progettati, si inseriscono per forme, materiali, e riferimenti nel panorama complesso dei linguaggi della scultura contemporanea misurandosi sul rapporto tra ciò che è permanente e statico, (natura della scultura e dei suoi materiali) e la transitorietà delle “cose” che viviamo attraverso un processo tra frammentazione e ricostruzione della materia e della forma. Per entrambi spicca la presenza inedita e originale delle lastre di Okite, di un nuovo materiale di sintesi tra quarzo, resina poliestere e pigmenti naturali, in grado di apportare quegli evidenti elementi di luce e soprattutto di colore, che reinterpretano e rilanciano nella Chiesa dei Tolentini i valori della pittura veneziana. Rispettando il valore monumentale della pietra, i dati di centralità e di attrazione nello spazio, la specifica lavorazione delle lastre di Okite, la loro mirata frammentazione policroma, altare e ambone appaiono in grado di affermare il valore dell'habitat familiare proprio del sistema sociale contemporaneo, di contrassegnare la memoria della cultura domestica riconfermando i valori e le funzioni della liturgia cristiana. 

Fino al 17 aprile 2016
Hôtel des Etats
Piazza Chanoux, 8
Aosta, Italia

La Sede espositiva Hôtel des États di Aosta ospita fino al 17 aprile 2016 la mostra fotografica “ Mauro Paillex. Venire al mondo ”. L’esposizione propone una selezione di immagini che documentano il tema del parto e della nascita nella società contemporanea. Le fotografie, rigorosamente in bianco e nero, sono state realizzate all’Ospedale Beauregard di Aosta e documentano un evento naturale e nel contempo straordinario e simbolico, quello del parto e della nascita di una nuova vita. «Gli scatti realizzati dal fotografo Mauro Paillex – afferma l’Assessore regionale all’istruzione e cultura Emily Rini – rappresentano un omaggio al tema della nascita attraverso l’obiettivo di un autore talentuoso, che ne può cogliere la straordinaria magia grazie al duplice ruolo di fotografo e di medico ginecologo. Un evento che implica emozioni forti e la cui straordinaria e umanissima unicità è sottolineata dalle parole in poesia di Enrico Martinet, che accompagnano le fotografie in mostra». La mostra Mauro Paillex. Venire al mondo, promossa dalla Regione autonoma Valle d’Aosta – Assessorato Istruzione e Cultura, è accompagnata da un catalogo bilingue italiano-francese, curato da Daria Jorioz, contenente testi di Mauro Paillex, Enrico Martinet e Livio Leo, edito dalla Tipografia Valdostana.

Biografia
Mauro Paillex è nato ad Aosta, dove vive e lavora. Ha realizzato numerose mostre in Italia e all’estero, ricevendo numerosi riconoscimenti, tra i quali il primo premio nel concorso fotografico dell’edizione francese della rivista Photo e il premio nel concorso mondiale indetto dal sito americano OPHOTO.com, entrambi nel 2000. Nel 2007 ha ottenuto dalla rivista Photo edizione francese il primo premio dedicato alle immagini realizzate con un telefono. Pubblica regolarmente su riviste internazionali di sport e tempo libero.

Per informazioni:
Regione autonoma Valle d’Aosta, Assessorato Istruzione e Cultura 
Struttura Attività espositive
tel.: 0165.274401, e-mail: u-mostre@regione.vda.it
Internet: www.regione.vda.it
Sede espositiva Hôtel des États
tel.: 0165.300552

20 aprile - 21 maggio 2016
Galleria San Fedele
Via Ulrico Hoepli, 3 a/b - Milano

INAUGURAZIONE: MERCOLEDI 20 APRILE 2016, ORE 18.30

A Milano, presso la Galleria San Fedele, il 20 aprile alle ore 18,30 inaugura SOTTO UN ALTRO CIELO, mostra collettiva che vede protagoniste Gabriella Benedini, Sonia Costantini, Elena Modorati e Fausta Squatriti. L’esposizione è curata dal critico Matteo Galbiati e dal direttore della Galleria San Fedele Andrea Dall’Asta SJ. Per la prima volta la Galleria San Fedele presenta una mostra collettiva in cui quattro artiste riflettono sul significato del sacro: Gabriella Benedini, Sonia Costantini, Elena Modorati e Fausta Squatriti avviano un dialogo e un confronto di esperienze, storie, ricerche e riflessioni. La grande installazione di Gabriella Benedini dal titolo Pesca miracolosa, attraverso una barca circondata da una serie di pannelli che rappresentano un cielo cupo e inquietante, evoca una pluralità di elementi simbolici: la barca, se da un lato è infatti il luogo biblico in cui i pesci sono accolti dagli apostoli grazie alla parola di Gesù, dopo una notte infruttuosa, dall’altro lato allude a tutte quelle imbarcazioni che oggi trasportano migliaia di migranti in cerca di salvezza. Una scrittura monocroma trasforma le superfici dipinte da Sonia Costantini in vibrazioni cromatiche dove la luce interviene modificando e alterando la fisicità dell’opera e il suo legame con lo spazio. Ogni dipinto, composto di numerose velature che creano una luminosità inafferrabile e misteriosa, si propone come luogo di profondità infinita che ci immerge in attimi di sospensione dove storia, visione e apparizione superano la soglia del reale e si aprono a dimensioni inattese. Nelle sue opere Elena Modorati rende concreta la superficie del dipinto trasformandola in una tavola di cera: in lei coesistono un gusto per l’essenzialità e per riflessioni sul significato della parola scritta. Occultato, nascosto, reso indecifrabile nell’opalescenza della cera, lo scritto resta come in attesa, custodito e velato in un’intima cortina di protezione. In questa attesa ci mettiamo all’ascolto di una parola sul significato più profondo della vita, sul mondo e sul nostro desiderio di infinito. Le “icone” di Fausta Squatriti, come Zachor - In memoria. Ricordare per essere liberi e Ignota città tedesca di prima della guerra, creano molteplici ponti tra i drammi del passato e le guerre e le violenze di oggi. I diversi elementi di cui sono composte si aprono in questo modo a inattesi significati, a continue rivelazioni che diventano racconti, scoperte, intuizioni poetiche. L’autrice indica un percorso che ci introduce a una consapevolezza di quanto l’uomo contemporaneo sta vivendo, denunciando tematiche profondamente attuali, come il dolore, la violenza, la sopraffazione dell’uomo sul proprio fratello. La mostra Sotto un Altro Cielo intende dunque indagare ricerche visive contemporanee, al femminile, nel desiderio di ripercorrere e riconoscere nuove strade, nuovi cammini rivolti a un’interiorità che diventino testimonianza di un desiderio di cambiamento del nostro mondo. Sotto un Altro Cielo diviene così simbolo di uno scavare dentro di noi, perché si riveli una nuova luce dell’umano.

Per informazioni:
Maria Chiara Cardini
tel. 02 86352233
chiara.cardini@sanfedele.net
www.centrosanfedele.net

La redazione di ASC artesacracontemporanea attraverso l'opera del maestro Carlo Iacomucci augura a tutti i lettori di ASC una Buona e serena Pasqua.

Segue testo critico all'opera di Paolo Biagetti giornalista e critico d'arte.
"........Nella tua opera, in nuce, tutto ciò è già scritto con i segni e i colori dell’immaginazione. E’ come il preludio di quel celeste incrocio di Amore e di Pace. Ne è l’annuncio la grande Croce gialla (quasi un gigantesco traliccio ... dell’Alta Tensione), maculata alla base del sangue del riscatto, che sembra elevarsi da terra verso l’osservatore, lasciando dietro di sé delle segnature vibranti, quasi cablogrammi di senso. Quel sottile filamento che parte dall’alto, da quella forma puntuta colma di crittogrammi, attraversa la croce per perdersi poi nelle profondità infinite dello spazio opposto. Hai descritto, forse senza volerlo, uno spazio dell’arte dove si attua una molteplicità di rapporti in cui è implicito il tutto e dove ogni cosa disvela la propria intima essenza. Ricorda tanto una certa “quadratura” filosofica che unisce il cielo e la terra, ecco: la condizione di salvezza heideggeriana che prevedeva, se non sbaglio, il “salvataggio della terra, l’accoglienza del divino”, il portare l’uomo in una dimensione diversa, quella della parola poetica che dice gli echi dei fenomeni celesti. Le sette candide gocce che attraversano lo spazio del tuo “racconto” pasquale sono la firma/traccia del tuo appassionato esser-ci come medium di un evento creativo che ti trascende ........."